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厦门当代公共雕塑艺术在海丝艺术品中心举行

发表日期:2018-10-02 14:12:45   来源:   阅读次数:3852

【雅昌快讯】走近当代中国语境下的公共艺术 “海上共明月”公共艺术节登陆鹭岛

雅昌艺术网专稿2018.09.30

嘉宾合影

开幕现场

  2018年9月30日,“海上共明月”公共艺术节暨首届厦门海丝艺术品中心公共艺术展正式拉开帷幕,主题为“艺术引领城市创新”——首届海丝公共艺术论坛作为此次“‘海上共明月’公共艺术节”的重要版块之一也同期举行。

  另外,在此次公共艺术节中将分由“视觉艺术”“文化论坛”两大板块组成,其中“视觉艺术”版块将作为本届“海上共明月公共艺术节”的一大亮点,以艺术家作为主体,通过对话厦门公共环境的方式,将艺术体融入艺术节去突出和强调艺术展整体的互动和体验性,进而用其独特的艺术形式去再现自然、文明与人类的社会关系。

论坛现场

  据了解,本次艺术节由海丝盛业/海丝艺术品中心主办,中央美术学院联合主办,凤凰艺术以及威狮国际联合承办。展览麇集逾近30余位来自国内外知名艺术家的思想碰撞,势必贯穿成为社会关注的焦点和最具广泛联系度和国际影响力的跨区域文化盛会,带来前所未有的艺术体验。

  目前,中国城市化进程步伐加快,中国的城市面临着转型发展的重要历史机遇,在资源紧缺、城市人口增长高预期的状况下,如何有效果、有策略地提升城市空间品质,增强城市软实力,化解快速城市化进程带来的千城一面的现象,是摆在城市规划建设者面前的一个重要课题。

  将公共艺术规划列为城市规划与城市建设不可或缺的组成部分,并整体思考城市规划与公共艺术规划的关系,对于城市品牌和城市形象的建立,对于城市美学及经济价值的产生,对于城市居民生活幸福度的提升都至关重要。

  而新形态下的公共艺术以其独有的创作形式更侧重与环境发生关系以及与公众的互动性,不再是纯粹意义上的“装饰”性地标和人们仰慕已久的纪念碑。公共艺术是自由且开放的,从艺术角度去论述艺术与公共环境的关系,实则是表现出人类优化生存状态和自身境况的重要标志。

开幕式表演

  在国家“一带一路”所提出的构建人类命运共同体的引领下,新时期城市建设需具备全球视野和人类情怀。我们借此营造契机,以公共艺术展览和论坛的形式,让公众更真切了然地看待公共艺术在城市中的作用,将公共艺术视为城市发展的共生体,联结着一个攸关人文地貌、生态构建和城市发展的整体命脉,最终将公共艺术的价值最大化。也希望通过国内外优秀公共艺术案例,为厦门城市的公共艺术发展带来启发,激活传统文化新生命力,同时让当地市民体验公共艺术所带来属于这个时代的精神享受。

  策展人王中提到:某种意义上来说,公共艺术其实非常具有当代性,它跟当代艺术很多的主张是一致的。公共艺术之所以是“公共”的,绝不仅仅因为它的设置地点在公共场所,而是因为它把“公共”的概念作为一种对象,针对“公共”提出或回答问题,因此,公共艺术就不仅是城市雕塑、壁画和城市空间中的物化的构筑体,它还是事件、展演、计划、节日、偶发或派生城市故事的城市文化精神的催生剂。

开幕式现场,策展人王中致辞

  公共艺术存在于对人类文化、城市自身、社会的主体——“人”的生存价值的思考,除了具有公共性的艺术价值外,还包含以艺术的介入改变公众价值、或以艺术为媒介建构或反省人与环境、人与社会的新关系,艺术回归社会,回归人们的日常生活,满足人们的心理和行为需求,并影响人们的价值取向,公共艺术是植入公共生活土壤中的“种子”,大众是公共艺术“发生”过程的一部分,她是一种新的文化取向,这才是公共艺术的实质意义。

  城市公共艺术的建设,是一种精神投射下的社会行为,不仅仅是物理空间的城市公共空间艺术品的简单建设,最终的目的也并不是那些物质形态,而是强调艺术的孵化和生长性,并对城市文化风格,城市活力以及城市人文精神带来富有创新价值的推动。

拉尔方索Ralfonso 27-AD 不锈钢动态雕塑 220×100×170cm 2005年

  自从1980年开始,雕塑设计师Ralfonso(Ralf Gschwend)致力于环境互动、光影配合及动态的雕塑设计,1999年起他专门从事设计和制作公共场所里大型动态和光影的雕塑,这些作品从他的工作室到美国(西棕榈滩,弗罗里达州),瑞士日内瓦都有迹可循。

  2001年他与德国、美国的动力学艺术家共同创立了Kinetic Art Organization动态艺术组织(KAO),并于成立之初任职主席一职。现在KAO组织成员高达1000余人并分布在世界60多个国家,已成为世界上最大的动态艺术组织。

松尾光伸 人影 / Figures 5 不锈钢(金色,黑色) 800*200*250cm

  松尾光伸1943年出生日本熊本县,早年毕业于东京艺术大学,亚洲著名雕塑大师、环境艺术大师,原亚洲基础造型联合学会秘书长,现任中央美术学院城市设计学院教授;清华大学美术学院雕塑系客座教授;日本NPO福利艺术文化研究会理事长;中国雕塑学会顾问。

傅新民 蜕变No.18 600×180×500cm 木、不锈钢 2014

  傅新民的作品“蜕变No.18”有着缓缓滴落的浓浆,以不容分说的强悍、冷硬,正在侵袭、包裹着生命、大地、泥土和水……这只是工业文明侥幸存留的一个历史印记,却昭示出人类与地球母亲的分离之痛。

  傅新民号新萌,1949年生于江西南昌,就职于厦门。中国美术家协会会员、中国根艺美术大师、福建省雕塑学会会长。先后参加过中国第十届、第十一届美术展览,首届中国国际建筑艺术双年展,第二届中国北京国际美术双年展,奥运景观国际雕塑大赛巡展,中国姿态·中国首届雕塑展,第九届上海双年展等多次国际、国内大型展览并获奖。多件作品先后被中国艺术馆、上海城市雕塑中心、成都现代艺术馆、厦门艺术中心、奥运博物馆、中央电视台、清华大学、厦门大学等地收藏。先后被福州大学、集美大学、厦门大学等高校聘为客座教授、研究生导师。  

傅中望 点赞 不绣钢喷漆 高250cm

  傅中望1956年出生于湖北武汉。1982年毕业于中央工艺美术学院特种工艺系装饰雕塑专业。国家一级美术师。现为湖北美术馆艺术总监、中国雕塑学会副会长、中国美术家协会雕塑艺术委员会副主任、中国工艺美术学会雕塑专业委员会副主任。长期从事雕塑与公共艺术的创作,多次参加国内外重要的当代艺术展,作品被多个美术馆和艺术机构收藏,并被列入各种版本的当代艺术史出版物。

景育民 公共艺术创作项目——《行囊》 不锈钢 400×210×250cm

  景育民的大型系列公共艺术作品《行囊》呈现了“行动艺术”的创作理念,以“行走”的语言方式诠释在当代城市发展中“城市、人、生态”之间的关系问题。

  行囊乃空包,可谓“容器”,同时也是“行走”的、移动的。它在某个城市驻足之后会随着行囊背后N个城市行走记录的不断添加而扩展着作品的信息含量。区别于传统的定位方式,而以位移的状态成为典型的“行动的公共艺术”,传递和普及着人类文明进程中人与自然和谐发展的共同理念。目前,《行囊》自长春伊始,已经完成国内外13个城市的行程,项目仍在持续中。

韦天瑜 镀金的假山 2013年 200*160*400cm 玻璃钢、树脂着色

  韦天瑜1956年生,中国美术家协会会员,中国雕塑家协会会员。2004年任中国美术学院上海设计学院副院长;2012年任华东师范大学美术学系系主任;2017年任华东师范大学现当代艺术研究中心主任。

张永见 黄土屏风 400*100x153cm*4 太湖石、钢板 2017年

  张永见,1958年生,1976年“下乡知青”,年底高考入山东济宁师专。1980年任教费县师范。1983年济宁市成立“城市雕塑办公室”,2002年辞职,建立费县“后坡石艺术工作室”,现为中国国家画院雕塑院研究员。

展望 假山石43#&127#的组合 不锈钢 400×230×160cm 2001

  展望的《假山石》系列创作始于1995年。通过对自然山石的材料转换和对传统园林的民间称谓“假”字的语义追问,试图寻找当下的社会问题与艺术语言之间的平衡点,它是艺术家目前最有代表性的作品。《假山石》的空壳形式来自于1994年创作的《中山装躯壳》系列,也是艺术家对“观念性雕塑”的具体实践。坚硬的工业不锈钢板材通过“拓”的方法拷贝了自然山石,通过对石头量体裁衣,不锈钢板被分成若干小片,拓出石头的细节后取下,再按照石头的形状拼好。经过焊接,打磨、抛光等工序,最后得到一个与原石一模一样的“真正的假石头”。艺术家每一次都会自己选择石料的形状,以及监督每一件作品的制作细节。镜子般的石头雕塑散发出的反光,迷幻而又当代,在这个后工业文明的大背景中,给人们带来奇妙的蕴含观念的物质感以及过去与未来、自然与人工、变化与间歇、毁灭与永恒自成一体的幻象。

王中 临界门 710×580×828cm 青铜、不锈钢、钢板 2017年

  王中,1963年生于北京,1988年毕业于中央美术学院雕塑系、现为中央美术学院教授、博士生导师、城市设计学院院长、中国公共艺术研究中心主任、北京市人民政府专家顾问团顾问、全国城市雕塑艺术委员会副主任、中国城市雕塑家协会副主席、中国雕塑学会常务理事、国际动态艺术组织艺术委员。

陈志光 《树非木》 不锈钢锻造 215×240×1100cm

  陈志光的《树非木》展现了和他为人所熟知的“蚂蚁”截然不同的面貌。 从明代洪洞县大迁移到后来建国后的大迁移,人的流动都是一种被动的无奈的漂泊,而到了今天城乡流动,也是时事所造就,以天地为床为被,四海为家。四海引申出来就是天下。陈志光的这些断木或者说是被修整过的木头是因为艺术家在迁徙过程中看到了树木如何迁徙,他们去掉自己的枝枝蔓蔓,然后进入新的环境重新生长,树的处境一方面也是人的处境,我们被我们所经历的一切塑造,而不锈钢这种材质将其转化为一件作品的时候可能一方面引申为对于迁徙的抗衡,另外保证了他在环境变化过程中保持自己的某一刻的面貌,实际上就是将某一刻永恒化了。另外一方面这个树将维持着一个四海之内漂泊者的形象,艺术家觉得这是我们人在当代面对的问题。树是一种生命概念,木是一个材料的概念,这些被砍伐的大树在我看来是一种生命体,他们是漂泊的,一如我们在自己祖先的大地上漂泊迁徙。“树非木”是陈志光的一种生命观,但是有一种漂泊者的坚硬和感伤。

申红飙 海骝马 245x350x125cm 锻不锈钢 2010年

  申红飙,1968年生于辽宁省沈阳市。毕业于鲁迅美术学院雕塑系,获学士学位;后进入中央美术学院硕士研究班;又于法国巴黎第一大学——索邦,先后获造型艺术硕士、博士学位。现任中央美术学院雕塑系讲师、联合国教科文组织造型艺术协会会员、国际蒙古呼麦协会会员。

陈文令 城市公牛 1305x258x406 cm 不锈钢 2012年

  陈文令,1969年生于福建泉州。先后毕业于厦门工艺美术学院和中央美术学院,获艺术硕士学位。现居北京,职业艺术家

沈烈毅 空游云行 1800×800×700cm 竹,金属 2016

  沈烈毅,1969年生于杭州,1995年中国美术学院雕塑系毕业。现为中国雕塑学会理事、浙江省雕塑研究会副会长、中国美术学院雕塑与公共艺术学院教授。

洪易 圆龙(大型) 钢板彩绘 250×210×220cm 2018

洪易 圆龙(中型) 钢板彩绘 165x150x158cm 2018

  洪易的作品传递出饱满、圆融、自然及浑然天成的大气魄,在他的立体雕塑世界中动物与人类是好朋友,作品给人亲近并赋予动物新的注解,带给社会喜悦与幸福感。洪易的创作传达一种分享的概念,借由钢板塑型与烤漆彩绘缔造出一种不同以往的视觉惊艳。艺术即生活,这句话贴切的反映在洪易的立体雕塑上,在洪易身上看到一股强韧的生命力度,那股力道有着对艺术的追求及无限的创作力,希望艺术能带给社会快乐的能量,透过一件件充满欢乐、喜悦的作品,传递属于洪易的感性创造力!

  《彩色圆龙》取自谐音『圆融』,色彩笔触更加细腻,不通俗,更是圆满吉祥饱满之意。在全球化思维的影响下洪易正是一位极具代表性的艺术家,其创作来自民间文化与日常生活的转化寓意。

  "圆龙"作品传递出饱满、圆融、自然及浑然天成的大气魄,在外表彩绘上色更呈现非凡的表现手法,"大圆龙"以火焰金角象征权威,身上布满梅花、荷花与牡丹花,给人喜气洋洋的欢乐气氛;"龙"的图文在东方是尊贵圆满吉祥的意象!

  《钢铁圆龙》透过现代金属机械图腾来呈现钢板烤漆是后工业文明的产物,沉稳的黑色基底,结合现代机械感的图腾,表面散发金属光泽,开启一种全新的表现手法,洪易的钢板烤漆更是新时代的代表,不断挑战钢铁锻造的极限,作品造型上更是千变万化,除了生动活泼外,更赋予作品象征意涵,取自中文谐音『圆融』,是圆满吉祥饱满之意,且"龙"的图文在东方是尊贵圆满吉祥的意思。

廖迎晰 给世界的礼物,500X350X340cm,铁板烤漆,2018年

  廖迎晰生于台湾台中,东海大学美术研究所毕业。艺术家以生活经验的反省,并借传统经典之作品,做为转换之媒介,以当代手法表现古代经典题材,进而引燃出令观赏者意料之外的一个表现。创作者整体作品以,爱、圆融、现在,过去,未来之时间的意象,以大众通俗的语言伴随着其积极入世的激情,将个人对于当今社会环境的关注显现于作品当中。

柳青 成果 192 × 198 × 175 cm 综合材料 2014年

  柳青1982年生于湖南。2001年毕业于中央美院附中,2006年毕业于中央美术学院雕塑系第六工作室获学士学位,2009年毕业于中央美术学院雕塑获硕士学位。中国美术家协会雕塑艺委会委员、中国雕塑学会理事会理事、中国雕塑研究院青年雕塑家创作中心雕塑家。

  2009年至今多次在中央美院附中和中央美院雕塑系任教,其中,2015年4月,作为助教参与雕塑系第五工作室的二年级头像创作课,2017年3月和2018年3月,在雕塑系第五工作室授课“写实雕塑造型基础”和“写实雕塑语言研究”。

陈晓东轮回《马超》,320*330*170cm,废弃轮胎、拆迁废料,2017年

轮回《黄忠》, 330*280*180cm,废弃轮胎、拆迁废料,2017年

  陈晓东1987年生,在一次高速爆胎九死一生的车祸中,晓东看到了曾经圆形的轮胎,碎成各种形态。祸不单行,工作室遇到拆迁原来为自己遮风挡风雨的铁皮在挖掘机的重击下,犹如扭曲的布匹。这些颠覆了他固有认知。于是作品从“西学”转变为“东创”用轮胎结构重组出儿时英雄人物肌肉,被拆迁的铁皮成了战甲披风,用轮回让废弃重生,承载众多过去记忆的作品,为东方传统注入新生,五虎轮回!

宋戈文 标准国,全透明亚克力,霓虹灯字,尺寸可变,2018年

  宋戈文1986年生于江西省九江市。2010年毕业于广州美术学院版画系,获学士学位;2014年公派赴法国巴黎国际艺术城交流学习;2015年毕业于中国美术学院跨媒体艺术学院空间多媒体工作室,获硕士学位;2017年考取中国美术学院跨媒体艺术博士。

张超 水满自溢,水、红色水管、废弃汽车等杂物,尺寸可变,2018年

  张超1987年出生于内蒙古鄂尔多斯。2012年毕业于四川美术学院雕塑系,获得学士学位。2016年毕业于四川美术学院雕塑系,获得硕士学位。现工作生活于重庆。

张宇 莲花生长系列之“把酒问青莲” 尺寸可变 人造花

  张宇是中国最重要的公共艺术专家之一;公共艺术教育专家;环境与视觉艺术专家。南方公共艺术研究院理事长,汕头大学公共艺术专业教授、公共艺术专业主任,德国纽伦堡国立艺术学院“大师生”(博士),中国中央美术学院雕塑系学士。 中国“公共艺术节”创始人。2007年在中国首创“公共艺术节”;2008年1月举办首届“公共艺术节”并出任总策划人;第二、三、四、五(2012、2014、2016、2018)届“公共艺术节”总策划人。“公共艺术国际论坛暨教育研讨会2008”联合策划人。(陈育强、刘小康)

  自2012年开始,在全球范围进行“莲花生长”系列艺术计划,已在中国、意大利、英国、日本、南极等地进行二十次展演。自2011年开始,在全球范围举办“民居场景展”系列艺术计划,已举办九场;“民居场景展”系列入选《中国公共艺术年鉴》(2015)。

  “莲花生长”系列,是已经进行了数年的一个艺术项目,具有广泛的影响力。艺术家在南极、苏格兰、意大利、日本、深圳、汕头、广西、北京、新疆等地,已陆续完成数次莲花的“种植”;作品发生在包括南极冰川,庞贝古城遗址,大学游泳池,中国古民居等不同的场域。

  “莲花生长”艺术系列是艺术家引导公众思考其中的文化含量,其意义在于隐喻每个国人心中都有一枝莲花;“莲花生长”系列具有美丽的文化情怀,是当今世人的精神家园。

马涛 炙热的生活 尺寸:一件两组,200×120×200cm;250×250×30cm 钢、LED灯、漆

马涛 变形记 玻璃钢、钢材 尺寸可变

  创作者马涛带着对于过去时光的回忆,将“蜂窝煤”这一过去的时光中城乡居民不可或缺的生活物品进行放大,亦可看做是对一种即将逝去的简朴生活情景的纪念。通过“蜂窝煤”,我们可以回忆起低矮的平房和简陋的厨房、冬天的温暖和邻里间互借煤球的温情。这一物品承载了我们对于从前生活的怀念,亦可衬托出城市发展的日新月异以及居民生活的深刻变化。而其作品“变形记”主体为蝉(学名Cicadidae),蝉是昆虫纲半翅目颈喙亚目的其中一科,俗称知了;属不完全变态(不完全变态发育)类,由卵、幼虫(若虫),经过一次蜕皮,不经过蛹的时期而变为成虫。中国南北不同地域都有将蝉作为食物的习惯,例如广东地区用铁钎串起来烧烤;而以前常有儿童使用竹竿一头贴面筋将其从树上粘下。作品就是模拟这样的场景,将11只巨大蝉虫用铁杆夹住举向天空,肢体似乎在空中乱动给人以无力感,而其创作概念则指向卡夫卡著作《变形记》,无力、荒诞、异化、冷漠、孤独,共同构成了自现代主义以来艺术创作的共同命题。

卢远良 竹之穹顶 毛竹、绑带、太阳能LED灯 尺寸可变

  卢远良的作品借鉴了艺术家达芬奇所设计创造的棍壮网格的搭建方法,通过竹子相互之间的结构作用力,形成穹顶结构;同时采用了太阳能LED灯光,白天汇聚能源,夜间形成一个具有光学力场的结构隐喻。另外,该作品是过去“竹林”系列采取具有建筑结构特征进行发展的第一件作品。

李严 太空建筑 120cm×120cm×200cm 石膏、钢化玻璃

  李严生于1989年,江苏盐城人 现工作,生活于北京。2012年6月本科毕业于景德镇陶瓷学院 雕塑系;2016年6月研究生毕业于汕头大学公共艺术专业,师从张宇教授。其《太空建筑》使用了建筑常用的钢化玻璃,及艺术家惯用的热力材料“石膏”。艺术家将多个彩色软体状物体放置于玻璃之间,从而形成恒定的但却受挤压的“类建筑”形态。

张驭龙、张恩闰、潘晓欣、陈俊杰 白布诗 白布、油墨、鱼线 400×400×300cm

  白布诗由艺术家张驭龙、张恩闰、潘晓欣、陈俊杰完成。诗如雕塑,诗如纪念,将经典的载体——布作为材料,通过印刷文字形成特定的产品或造物,取之以纪念碑式的造型,却又并非不可发散的整体。在时间过程中将每一块布选择带走,都将形成雕塑般的变化,文字或者说作品的肢体话语得以延续和传播。观者如云,将它带去各处。将小方巾或手绢作为悬挂的材料,而每一块材料上印有诗句或者文字,观者可以将他所喜爱的带走,而雕塑将慢慢分散和消失。

马涛(指导老师)、张驭龙、潘晓欣、张恩闰、陈俊杰、陈儒锋 荒原 钢材、草/竹子 尺寸可变

  作品荒原是用象征主义诗人艾略特的名作《荒原》为作品命名,亦是借用象征主义语境进行创作和表达。在世人的审美中,“荒芜”之美构成了一道独特的风景,罗马古城墙上的荒草,玉门关外戈壁滩上的枯树,以及日本院落中的枯山水,都是这一审美类型的例证;它牵动了人类对于自我存在以及跨越时空的思索与感悟,提供内心世界对于孤独和悲壮的精神满足,亦是“诗意”最经典的表达;然而,代表着现代社会的工业架构对其构成挑战,那似乎是更为冰冷和孤独的存在,足以让“诗意”无处安身。作品用工业架构承接“荒芜之美”,构成这一矛盾体的直接对话,象征着后工业时代以来那些无从寄托的“荒原”。

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